MISTY IN ROOTS

MIR - Biografia



Com uma carreira abrange quatro décadas, em Misty Raízes da Inglaterra são um dos melhores grupos reggae. A banda foi uma das mais poderosas ao vivo reggae actua a surgir a partir de 1970 Londres, e elas foram uma importante força no Rock Contra o Racismo movimento. Eles estão de volta em grande estilo em 2002, com um grande novo álbum no Real World Records.

Este britânico baseado Roots Reggae Banda Misty nas raízes tenham jogado juntos durante os últimos 20 anos, em primeiro lugar que vem trabalhando em conjunto em 1975 e como um apoio para a banda tarde, grande Nicky Thomas - uma de todos os tempos da Jamaica greats nacional gráfico que tinha conseguido com sucesso canções como "Living In The Land Of The Common People". Nicky Thomas foi a inspiração de que Misty desenvolvidos.

Em 1978 Misty nas raízes começaram a desenvolver as suas próprias raízes reggae ortodoxo som. Seus poderosos letras inspiradas pelo declínio económico, uma crescente consciência de sua cultura Africano e um despertar espiritual inspirou faixas como "Ghetto da cidade", "Sodoma e COMMORA" e da humanidade "todos desligados que pode ser encontrada no primeiro álbum da banda" AO VIVO no balcão EUROVISÃO ».

Durante o período 1977/78 a situação política no Reino Unido foi um ponto quebrando. Black consciência estava no seu auge e racismo roamed nas ruas de Londres. O desemprego foi afetando tanto a preto e branco e jovens através de uma nova depressão esta aliança musical nasceu, os jovens brancos jovens totalmente fartos com o status quo virou-se para tocar música punk, ao mesmo tempo, forte identificação com o reggae britânico actua como Misty em raízes , Steel Pulse e ASWAD. Com a vinda do "Rock contra o Racismo» o movimento musical luta-costas tinha começado e pela primeira vez em preto e branco eram músicos tocando juntos na mesma plataforma de que resulte um conceito totalmente novo na consciência musical.

Misty nas raízes uma das mais poderosas ao vivo reggae actos de ter de sair de Londres e para assinalar as suas raízes reggae som poderoso e intransigente lírico vibrações, se tornou a maior força em Rock Contra o Racismo, a jogar mais concertos do que qualquer outra banda no movimento. Isso abriu um novo público para a banda, que rapidamente desenvolveu uma forte atravesse público, jogando com atos como o Tom Robinson, The Ruts e Elvis Costello.

Apesar Misty'S enorme sucesso como um ato ao vivo da banda, não solte o seu primeiro álbum até 1979. O álbum Ao Vivo no balcão EUROVISÃO, que foi gravado ao vivo na Bélgica durante a turnê da banda 1978, é ainda hoje proclamada por muitos críticos como o melhor álbum reggae ao vivo de todos os tempos. Misty seguido VIVO no balcão EUROVISÃO com uma seqüência de edição limitada singles como "OH MAN Wicked", "homem rico", a salvação "," QUANTO TEMPO JAH "e" vê-las AH COME ".

O segundo álbum da banda WISE e insipiente lançado em 1982 assumiu mais brando, jazzy e tom emotivo.

Em 1982 Misty nas raízes foi uma força a ter em conta, mas devido à sua determinação de se manter independente a banda deu um importante passo em África gastar nove meses no Zimbábue e Zâmbia. O período passado na África teve um grande impacto sobre o desenvolvimento dos dois álbuns seguintes Misty'S EARTH e MUSI O TUNYA, ambos dos quais foram directamente inspirada pela banda de experiências na África.

TERRA libertado em 1983 estava em movimento musical documentação da devastação causada pelo homem à Mãe Terra por causa da ganância, crueldade e ignorância. O álbum clássico composto por faixas como "FOLLOW FASHION", "Terra", "pobres e necessitados", "ELES PRÓPRIOS controlá-los" e "SERVO QUE JAH".

MUSI O TUNYA lançada em 1985 foi um reflexo da banda do amor para a África. MUSI O TUNYA (AO FUMO QUE troveja) é um belo lugar onde o Zimbabwe ea Zâmbia e cumprir o grande rio Zambeze renuncia todas as suas forças para formar uma das mais belas paisagens do Sul da África. As quedas MUSI O TUNYA são conhecidos em Inglês como Victoria Falls.

Durante 1987 Misty nas raízes teve a sua primeira viagem à África Ocidental, a casa espiritual de seus ancestrais, ela foi realmente uma experiência agradável para pôr o pé na região depois de quatrocentos anos no exílio.

1989 viu o início de uma amizade entre Misty em raízes e KAZ registos que resultou no lançamento do álbum AVANÇAR que vi Misty atingir as alturas, mais uma vez.

Agora que nos aproximamos do milênio, podemos olhar para trás durante as obras de Misty nas raízes e ver como o combinado imensos talentos deste grupo cooperativo, produzindo moralizante justos para que todos possam ouvir música. E como é certo que estavam ficando com as suas raízes e não seguir tendências, tais como dancehall música, que tem withered longe com o novo crescimento de 1990 uprightful consciente raízes musicais - direito de volta quando Misty em raízes foram provenientes de quase vinte anos atrás.

o Jungle

Pai do Drum and Bass, o Jungle surgiu no início dos anos 90, final de 1992 e início de 1993, nas comunidades afro-caribenhas inglesas como uma evolução do Ragga-Jungle que havia aglutinado elementos do Breakbeat Hardcore, Ragga, Reggae, Hip-Hop, Dancehall, Toasting e da cultura Yardie em sua estrutura.
O nome Jungle nasceu na Jamaica e era um termo que servia para identificar pessoas que faziam parte de duas regiões diferentes de Kingston: A “The concrete Jungle”, área urbana, e a “The Jungle ou The Gardens”, área florida e arborizada da ilha.

No entanto, o termo começou a ser mais utilizado para designar locais perigosos e violentos, onde a vida não era nada fácil e cuja única lei era a lei da selva, ou seja, as favelas urbanas de Kingston. Apesar de antagônico, o termo realmente é derivado da “The Concrete Jungle” e não do “The Jungle”, o que pareceria mais lógico.

Após a segunda guerra mundial, especificamente nos anos 50/60, o Reino Unido passou a adotar leis estimulando a imigração com objetivo de obter mão-de-obra, principalmente de suas ex-colônicas, como Jamaica e �?ndia .

Tal medida favoreceu para que um grande contigente de pessoas fossem para o UK atrás de melhores condições do que a verificada em seus países de origem. Mas foi somente nos anos 70 que se deu uma grande migração de jovens jamaicanos para a Inglaterra devido, principalmente, a uma grave crise social e econômica que se abateu sobre a ilha.

As comunidades afro-caribenhas, situadas em sua maior parte no entorno das principais cidades inglesas, também trouxeram na bagagem a sua cultura e sua música, e são esses dois aspectos os grandes pilares para o entendimento da música jamaicana , e o que se desdobrou a partir dela, na Inglaterra: O Rastafari e o Toasting.

Rastafari é um movimento religioso que prega o retorno dos negros � terra natal de seus antepassados, a �?frica. Surgiu na Jamaica entre a classe trabalhadora e camponeses negros em meados dos anos 30, iniciado por uma interpretação da profecia bíblica em parte baseada pelo status de Selassie como o único monarca Africano de um país totalmente independente e seus títulos de Rei dos Reis, Senhor dos Senhores e o conquistador do Leão de Judá, que foram dados pela Igreja Ortodoxa etíope, que existe há muito tempo e não tem relação com a Católica. O movimento Rastafari se espalhou muito pelo mundo, principalmente por causa da imigração e do interesse gerado pelo Reggae, mais notavelmente por Bob Marley.

BEENIE MAN

Um dos mais importantes DJs da Jamaica, Beenie Man's gravação carreira trechos de volta para 1981, embora tenha sido o som em sistemas onde ele mais tarde fez sua marca. A witty torradeira iniciou sua verdadeira ascensão ao estrelato no início dos anos 90, e até 1994, sua reputação não pode ser batida. Então, novamente, quando você gravar um veterano em dez anos, uma pergunta apenas o que o levou tanto tempo. Cada país tem o seu filho estrelas; basta olhar para Shirley Temple, mas poucos tratam os seus prodígios com o respeito da Jamaica. Talento levar competições de rádio e TV aparências, e até mesmo gravar contratos, mas o que é verdadeiramente espantoso é quantos destes encantador tots continuar sua carreira na vida adulta. Noutros casos, conduz inevitavelmente ao estrelato precoce adolescente fracasso como eles são muito menos giro em 18 do que eram em oito. Mas não Jamaica, onde o amor-los como crianças, adorá-los como adolescentes, e adorai-los como adultos. Beenie Man estelar é apenas um exemplo.
Beenie Man (também conhecido como Moisés Davis), nasceu no distrito de Waterhouse dura Kingston, Jamaica, em 22 de agosto de 1973. Por o tempo que ele estava pronto para a escola, a criança já tinha decidido em uma carreira como um DJ. Ele não foi o primeiro tot com sonhos da ribalta, mas Beenie realmente tinha um verdadeiro presente para gab. Seu tiro no estrelato veio quando ele tinha apenas oito anos, quando ele tomou o primeiro prémio a nível nacional Teeny Talento concurso. Isto levou a uma reunião com o produtor Junjo LAWES, que gravou o diminutivo DJ's debut single, "Too Fancy". Bunny Lee, em seguida, tomou o menino sob sua asa e colocá-lo para trabalhar no seu sistema de som Ilimitada. Em 1983, o jovem encontrou-se que aparecem no LAWES 'Junjo apresenta duas Grandes Sons, que foi gravado ao vivo e DJ featured tais pesos pesados como Dillinger e idiota. Juntamente com Ilimitada, Beenie também foi DJing em Prince Jammy do Vulcão dos sistemas de som, havia um único hit ao seu crédito, "Over the Sea", produzido pela Niney Holness, e ainda teve uma estréia álbum fora. Produzido por Lee, o invencível Beenie Man, a 10 year old DJ's Wonder título bastante somas tudo. Ele algumas músicas gravadas com Barrington Levy, em 1984, duas das quais, "Under Mi Sensi" e "Dois Sons", que ressurja em remixado forma mais tarde no anos 90. Mas de momento, a sua carreira a gravação chegou praticamente ao fim, o bar ocasional único. Mas o jovem DJ mantiveram um sistema de som favorito, mesmo que ele já virou a sua atenção para a sua escola. .

Não surpreendentemente, Beenie do irmão mais novo, Little Kirk, estava ansioso para seguir seus passos, e cinco anos mais tarde, os irmãos ligados com o produtor Patrick Roberts e começou a gravar uma série de singles que rapidamente os trouxe para a ribalta nacional. Em 1992, Beenie apareceu no Reggae Sunsplash e essa foi a resposta que o DJ agora sentia pronto para assumir as grandes armas. Beenie o primeiro alvo foi o aclamado Bounty Killer, embora o jovem DJ havia motivo para o seu ataque como o veterano tinha roubado sua captura frase, "mortos", e foi sobre a guerra. Houve uma trégua na batalha muito público em 1993 quando Beenie Kingston esquerda há quase um ano depois de ter sido apupado fora do estádio em um show nacional comemorar a visita de Nelson Mandela. Após o seu retorno no próximo ano, houve uma reconciliação com o público Bounty Killer, o que resultou no álbum dividido Guns Fora. .

Beenie tinha obviamente teve uma grande mudança de coração, ainda evidenciado pela sua única "Não Mama Não Cry", uma versão de Bob Marley's "No Woman Não Cry", uma contundente condenação da violência, inspirada pelo assassinato de colega DJ Pan Head. A música jamaicana lideravam o gráfico e trouxe o DJ instantâneas aclamação. Jamaica da criminalidade violenta chocante taxa permanece alta e afeta as pessoas em todos os níveis da sociedade. Embora overdoses e suicídio são uma proporção elevada de causar morte por artistas Americanos, o trágico assassinato é frequentemente causam na Jamaica. Que muitos desses crimes vão resolver, da Pan-chefe incluídos, adicionar à devastação emocional e, portanto, o facto de a violência aparentemente vem em ondas, que transportam um largo número de observar os valores no curso de um ano. Beenie, também foi afectada por estes acontecimentos e Sly & Robbie, os produtores de sua "Não Mama Não Cry" único, foram determinantes na orientação dos jovens para a sua conversão a DJ Rastafarianism. .

Uma nova atitude e um novo hit único transformou instantaneamente Beenie em torno da carreira. Agora, trabalhar com todos os principais produtores da ilha, o DJ gravou um varrimento de singles, muitos deles religiosamente temáticos, "Louvado seja Deus" e "Dance World" (que teve o Prémio Melhor Single, o jamaicano Music Awards) incluídos. O bate-pesados de defendê-la e Dis Unu Fi Hear ambos foram libertados em 1994 e culturalmente mais themed PAR combinado com um hardcore dancehall som. Muitos destes singles, bar do Táxi libertações, foram arredondados em Ouro pela British Charme rótulo. Beenie do estrelato foi confirmada pelo seu tendo o DJ do Ano Prêmio mesmo ano. Assinatura para Island Records, Beenie liberada Bendito o seminal álbum, que incluiu uma embreagem de acessos, incluindo a dancehall esmagar "Slam". .

Enquanto no Reino Unido, o DJ britânico dancefloors despedido da selva com um remix de "Under Mi Sensi". 1995 também trouxe um par de colaboração álbuns, incluindo três contra a guerra, o que unido com o DJ Dennis Brown e Triston Palma, e Mad Cobra atende Lt. Stitchie & Beenie Man, uma tag-team dancehall affair. Ingressou por Lady Saw, Beenie também marcou um grande sucesso com "curandeiro" esse ano, apenas um de muitos singles bem sucedidos de colaboração, que incluiu "Papa Was um Rolling Stone", que ele emparelhado com Terceiro Mundo. Até ao final do ano, foi um Beenie shoo-in para o DJ of the Year Award. 1996 trouxe Maestro, Beenie o primeiro "verdadeiro" álbum, em comparação com o seu anterior hits coleções. Produzido por Patrick Roberts, foi um impressionante esforço caracterizando um caleidoscópio de humor. No ano seguinte, revelou-se a sua interrupção na Grã-Bretanha, quando o seu e Chevelle Franklin's "Dance Hall Queen" ressaltar o gráfico nacional. Tanto que a única e seu seguimento, "Who Am I", foram aqueles número de volta em casa, enquanto o último rocketed o seu caminho para o Reino Unido Top Ten. Na verdade, Beenie Man agora podia fazer nada de errado, e um sistema de som do seu valor de singles voou seu caminho até o jamaicano gráfico esse ano e no próximo. O autobiográfica Muitos Moods de Moisés apresenta um número destes esmaga, incluindo "Ostras & Concha" e "Fundação". .

Após headlining Reggae Sunsplash, em 1998, a Virgin Records Beenie assinado em os E.U.; The Doctor foi o primeiro fruto dessa nova união e foi um instante dancehall clássico. 1999 trouxe o King Jammy-produzido álbum Y2K, que nunca menciona todos o maior medo desse ano - bug do milénio, mas que assumem uma série de outras questões de SIDA para o analfabetismo. E o hit singles apenas mantida a chegar, e que vem, e vem. Beenie foi imparável, quer em seu próprio ou com outros artistas, e, por vezes, o gráfico jamaicano parecia ser a DJ's privados preservar. "Hot Bwoy" com Buccaneer, "Mi Walla Nu", "Esqueça Você", "Ruff Como Nós", com Redrose, "100 Dollar Bag", "So Nice", com Silvercat, "In This Together", "Skettel Tune" com Angel Doolas, e "LOY" são apenas uma amostragem dos singles do DJ libertados entre 1999 e 2000. A Arte & Vida álbum, lançado no novo século, no seu showcased o DJ mais eclético e incluiu convidados Arturo Sandoval e dos Fugees Wyclef Jean fama. No ano seguinte, Beenie reunificado com Jean trás a mistura bordo para produzir o álbum de estréia ator Steven Seagal. Janet Jackson, a Neptunes, Lady Saw, e Lil 'Kim todos transformou-se em 2002 como convidados da Tropical Storm, Beenie Man o álbum com as mais crossover recurso. 2004's Back to Basics foi apenas isso, uma reta para cima regresso ao dancehall. O hit-cobra compilação From Kingston ao rei do Dancehall apareceram no início de 2005, e indiscutível, que incluiu trabalhos produção de Scott Storch e Don Corleon, entre outros, foi libertado no ano seguinte. ~ Jo-Ann Greene, All Music Guide.

Ken BOOTHE

Ken BOOTHE (nascido em 22. De março de 1948 [1] -, existe uma controvérsia em torno seu nascimento data; maioria das fontes dizem que ele nasceu em 1948 - Denham Town, Kingston, Jamaica) é um artista jamaicano gravação.


Sua carreira começou a gravar em 1963, quando o lendário, West Indian gravar produtor Clement "Coxsone" Dodd gravado ele cantando uma canção chamada "Prevenção", com Byron Lee e os Dragonaires. Seu primeiro solo esforços não estavam a ser gravadas até três anos mais tarde, quando ele assinou Dodd ao Studio One. Ele tinha quase imediato sucesso com músicas como "O trem está chegando" e "Lonely Teardrops" e por o ano seguinte, BOOTHE e Alton Ellis tinha uma bem sucedida turnê britânica com o Studio One sessão grupo, The Soul Vendors.

Depois de sair Coxsone, BOOTHE registados para Keith Hudson e Leslie Kong. Ele então formou o grupo "Mentes Conscientes" com BB Seaton. Até o início dos anos 1970 BOOTHE Ken começou fornecendo hits para Sonia Pottinger. BOOTHE era conhecido como "Mr. Rock Steady" por sua proeminência musical durante esse período.

Então, de repente, sob nova direção a partir de gravar produtor Lloyd Charmers, "Tudo que eu próprio" foi Number One, no Reino Unido em 1974. A canção, escrita por David Gates, foi dada uma luz simpática reggae sentir, e é encontrado instantâneas favor tanto nas Antilhas, mas mais surpreendente, no Reino Unido. David Gates' próprio grupo, Pão, tinham uma menor britânica bateu com a canção na Primavera de 1972, embora só tivesse chegado Número 32 [2].

O oddest coisa BOOTHE capa da versão, é que ele canta "alguma coisa que eu próprio", em vez de "Tudo que eu próprio" todo o texto, tornando este disco um dos poucos em que o título nunca é cantada. Houve outros exemplos disto na Number One, no Reino Unido Singles Chart, como "Bohemian Rhapsody", "desencadeadas Melody", "Annie's Song", "A Galinha Song" e "Space oddity"; mas BOOTHE do registro é a única uma em que o título deveria ter sido cantada, mas não foi por engano. [3]

BOOTHE parecia, na altura, ter a estrutura de uma organização internacional, longa-duração, hit maker, certamente, quando comparado à maioria dos outros último dia-reggae actos. Seu estilo suave deu-lhe um apelo mais amplo, e não como UB40, e Aswad. BOOTHE a escolha das músicas também mostrou a amplitude do seu gosto musical. Mas para tudo isso, ele apenas mais um hit geridos no Reino Unido Gráfico, "Crying Over You", que fez Número 11 [3].

Em 1978, juntamente com Dillinger, BOOTHE foi referendada pelo lírico Joe Strummer do The Clash, em pista, "(White Man) em Hammersmith Palais" [4].

Em 1987, Boy George lançou seu versão da música, e tenho que devidamente Number One próprio. [5] Sua entrega devidos muito mais no estilo de BOOTHE do que a da versão original por Pão.

Em tempos mais recentes, BOOTHE também tem registado para Bunny Lee, Phil Pratt, King Jammy, Pete Weston, Jack Ruby, Hugh "Red Man", James Brown e Castro Tappa Zukie. Plus em 1995, ele teamed acima com Salsicha, para uma nova versão do seu velho estilo auto escreveu faixa, "O trem está vindo", que apareceu na trilha sonora do filme, Money Train [1].

Um duplo disco Resumo dos BOOTHE's Trojan anos, Crying Over You, foi lançado pela gravadora em 2001 [1].

A história da música Jah Live

A morte do imperador da Etiópia, Hailé Selassié I, em 27 de agosto de 1975, parecia ser o golpe fatal no movimento rastafari. Para os rastas, ele era a encarnação de Deus, ou Jah, e deveria conduzir os negros do mundo inteiro `a redenção e `a vitória na luta contra a Babilônia.
O Jornal “Daily Gleaner” preconizava que Jah estava morto.
A forma esguia de Bob mal era visível à pouca luz emitida pelos escassos spots do estúdio de gravação de Harry J no número 10 da avenida Roosevelt em Kingston. Vestindo uma camisa de algodão marrom, calças de brim e requintadas botas de camurça, ele se postava de mãos nos quadris no meio do abarrotado estúdio de pé-direito alto. Uma delicada nuvem de fumaça subia de um spliff em sua mão, circundando-lhe a cabeça reclinada de onde pendiam os dreadlocks enquanto ele se concentrava. O relógio da parede marcava 10:30 de uma certa noite no mês de setembro de 1975.
As gravações para o disco Rastaman Vibration dos Wailers haviam sido deixadas de lado para permitir um projeto especial, de emergência. O engenheiro Sylvan Morris, um negro corpulento e solene, sentava-se envergado sobre a mesa de dezesseis canais no lado de lá do painel de vidro sujo que separava a cabine de controle do estúdio; ele pegou uma garrafa bojuda de Dragon e tomou um gole enquanto aguardava algum sinal para dar início à fita. Não se ouvia nada, exceto a deglutição de Sylvan, seguida de um arroto abafado.
Talvez tenham-se passado dois minutos até que Bob levantou a juba de Medusa. Ele colocou os fones de ouvido, deu uma tragada de encolher as bochechas no spliff e fez um aceno com a cabeça. Uma trilha instrumental que os Wailers tinham feito à tarde começou a jorrar dos gigantescos monitores pendurados acima da mesa de mixagem.
Havia um padrão de bateria, um baixo entorpecente pilotando a bateria, e uma guitarra rítmica em surdina. Bob deu um passo rápido em direção ao microfone e paralisou as dez pessoas que se amontoavam na cabine do engenheiro quando começou a cantar:Selassie lives! Jah-Jah lives, children!
Selassié vive! Jah-Jah vive, crianças!

Jah lives! Jah-Jah lives!
Jah vive! Jah-Jah vive!

Fools sayin’ in dere beart,
Os tolos dizem de coração,

Rasta yar God is dead
Rasta, seu Deus está morto

But I&I know ever more
Mas eu, eu sei cada vez mais

Dreaded shall be dreaded and dread…’
Os dreads serão temidos e respeitados…

Os rostos de Family Man e Carly se congelaram num amplo sorriso beato que eles compartilharam com os outros presentes: Al Anderson; Lee Perry e sua esposa; Rita; Marcia Griffiths e sua amiga Judy Mowatt, ex-vocalista do grupo Gaylets e terceira integrante de um trio recém-formado chamado I-Threes – o novo grupo vocal de apoio dos Wailers; além de dois recentes acréscimos a estes, o organista Bernard “Touter” Harvey e Earl “Chinna” Smith na guitarra base. Ninguém se mexia, todos com os olhos pregados na figura magricela do outro lado do vidro. Sua cabeça esbelta jogava para trás e ondulantes guirlandas de uma espessa fumaça branca exalavam de suas largas narinas enquanto ele pleiteava devoção atemporal ao Jah Rastafári.
E enquanto ele cantava, a aguçada malha musical ficava cada vez mais alta, crescendo em espirais, num círculo estonteante de tensão e relaxamento, tensão e relaxamento, até o controle psíquico tornar-se insuportável. Gotas de suor surgiam na testa ampla do rosto barbudo de Family Man, e seu sor-riso nele estampado mostrava-se cada vez mais maníaco, quase grotesco.
Sem avisar, Marley girou de repente e explodiu em áspera exultação primal que retumbou pelo prédio como um maremoto. As estátuas escuras do outro lado do vidro, de um salto, voltaram à vida; começaram a pinotear e a arremeter em furioso abandono e logo a dançar de uma saleta para outra enquanto Marley mandava sua áspera voz de tenor nas maiores alturas:

The truth is an offense but not a sin!
A verdade é uma ofensa mas não um pecado!

ls he laugh last, is he ruho svin!
Quem ri por último é quem ganha!
ls a foolish dag barks at a flying bird!
O cão que ladra para um passarinho voando é bobo!

One sheep must learn to respect tbc shepherd!
Uma ovelha precisa aprender a respeitar o pastor!

Jah lives! Selassie lives, chill-drannn!
Jah vive! Selassié vive, crianças!

Jah lives! Jah-Jah lives!’
Jah vive! Jah-Jah vive! Em uma semana, Jah Live estava em todas as lojas de discos de Kingston. Um sujeito do Daily Gleaner foi até o estúdio de Harry J para perguntar a Marley sobre o grande sucesso, e Bob lançou-lhe um olhar que quase fez parar o coração do repórter.

– Não se pode matar Deus – sussurrou Marley.

Fabienne Mirawada - Prophecy (198x)

Essa música foi banida na Jamaica por conter letras de ativismo... quem gosta de roots não pode deixar esse compacto passar... BASSSSLINE!!!!
A* Fabienne Mirawada - Prophecy
B* L. Lindo - Prophecy Version

BUJU BANTON

Buju Banton foi um dos mais populares artistas reggae dancehall dos anos 90. Debuting com uma série popular de "folga" singles, o que atraiu críticas por seus gráficos sexualidade e homofobia, Banton convertidos para Rastafarianism e revolucionou dancehall, empregando instrumentação ao vivo e de consciência social roots reggae clássico. Ele aprovou a primeira abordagem em 1995 seu clássico 'Til Shiloh, que levantou esperanças entre os seus fãs que ele se tornaria o grande dancehall embaixador internacional, como Bob Marley foi para as raízes reggae. Enquanto que nunca completamente materializado, Banton manteve uma estrela de alto perfil para o novo milénio.

Buju Banton Mark Anthony Myrie nasceu em 15 de julho de 1973, na favela de Kingston Salt Lane. Buju foi sua infância alcunha, uma palavra para breadfruit que foi muitas vezes aplicado a gorducha crianças; ele viria a adoptar Banton em homenagem a uma das suas primeiras influências musicais, Burro Banton. Ele foi um dos 15 filhos, sua mãe era um vendedor de rua, e ele foi diretamente descendente a partir da época colonial-combatentes pela liberdade conhecido como o quilombo. Banton primeiro tentado sua mão em DJing e queima em 13 anos, realizando com os sistemas de som. Ele fez sua primeira gravação não muito tempo depois, com o Robert 1986 Ffrench-produzido único "a régua". Ele continuou a gravar até 1987 e, em seguida, levou algum tempo para permitir a sua voz para amadurecer. Voltou no início dos anos 90 com um resmungo bruto comparável ao de Shabba Ranks.

Em 1991, começou a gravação para Banton Donovan Germain's Penthouse rótulo, muitas vezes com a cooperação engenheiro / produtor / compositor Dave "Rude Boy" Kelly. Debuting para o rótulo de "Dead Man Fi", seu primeiro grande sucesso foi "Mi Amor Browning," um hino à luz de pele que as mulheres chamou a ira da Jamaica considerável da população de pele mais escura. Como penitência, ele lançou um follow-up único chamado "Love Black Woman", mas ainda mais polêmica com cortejada "Boom Bye Bye", uma faixa que notoriamente homofóbico aparentemente preconizada violência contra gays. Outros hits do período incluído "Batty Rider", "Bogle", e "Mulheres Nuh Fret", entre muitos outros, de facto, 1992 viu Banton Marley's quebrar o recorde de mais singles número um em um ano. Seu debut álbum, o Sr. mencionar, foi uma queda violenta batida esse ano, e ele assinou um importante internacional de rótulo lidar com Mercúrio.

The Voice of Jamaica álbum, lançado em 1993, introduziu Banton Jamaica para o mundo exterior, e deu-lhe um enorme sucesso no comemorativos do sexo seguro hino "Willy (Don't Be Silly)." Outros singles do álbum incluem "Operação Ardent", uma crítica à corrupção policial, e "deportados (Things Change)", que castigou emigrantes que se recusaram a partilhar os seus lucros no exterior com a família para trás na Jamaica. No início de 1994, Banton liberada a monumental único "Assassino", um apaixonado indiciamento de dancehall cultura e violência armada registados após o tiroteio morte de colegas DJs Panhead dancehall e Dirtsman.

Como bem-recebidos como Voz da Jamaica foi, foi o 1995 follow-up, 'Til Shiloh, que seria considerada uma obra prima da Banton. Uma fusão de dancehall com instrumentação ao vivo e clássico reggae roots, 'Til Shiloh Banton consolidada a mudança da consciência social e aprovada em um mais maduro, que sinalizou Banton tom reflexivo da chegada como um artista capaz de fazer grandes declarações criativo. Sua follow-up, 1997's Inna Heights, continuou em uma forma semelhante rootsy veia, e ganhou apenas um pouco menos do que os seus elogios tão apregoada antecessor. Em 1999, Banton gravado com a banda punk Rancid e posteriormente assinado com o rótulo punk epitáfio da eclética Anti filial. Em 2000, ele apresentou as suas desencadeadas Espírito, que encontrei em um crescimento mais eclético busca de cruzar para o mercado internacional, mas também apresentou um bom dueto com Beres Hammond em "Pull It Up". Após uma pausa de três anos a partir de lançamentos álbum, Banton devolvidos no Atlântico em 2003, com amigos para toda a vida, um crossover de fácil gravar com elementos de hip-hop, R & B e pop (e muito pouco das raízes-dancehall híbrido que catapultou para ele estrelato). Insatisfeitos com o apoio de que foi dado aos principais rótulos, Banton iniciou a sua própria etiqueta, Gargamel Music, e lançou o single "Magic City" em 2004. O single foi um preview do seu próximo álbum, Rasta Got Soul, mas uma prisão em Ganja cultivo encargos lhe enviou em batalha legal para os próximos dois anos. Quando tudo terminou em uma multa, ele desatou seu álbum estritamente dancehall Too Bad mostrando o grande hit jamaicano "Driver A." O mais tradicional Rasta Got Soul finalmente apareceu em 2009. Steve Huey, All Music Guide

Bob Marley - o maior cantor jamaicano de todos os tempos?

Entretenimento
Bob Marley - o maior cantor jamaicano de todos os tempos?


Por Clyde McKenzie

Domingo, 17 de maio de 2009

Bob Marley é o "maior cantor jamaicano de todos os tempos? Se a resposta for sim, qual é a base para esta determinação? Se não, que critérios foram utilizados para chegar a esta conclusão? Se um é argumentando que ele não é, quem é? Existem meios objetivo de avaliar quem deve suportar o título de "maior de todos os tempos", ou estamos em um bobo da errand engajados em uma pesquisa para um fútil elusive ideal?

Ciência ícone Professor Stephen Hawking quando descritos por um entrevistador como "o homem mais brilhante do mundo" assolou voltar a dizer que isto não poderia ser verdade que apenas dias antes ele foi declarado o "segundo homem mais brilhante na Grã-Bretanha depois de Richard Branson." O professor Hawking's witty resposta para o entrevistador é um testemunho para os caprichos inerentes tentando julgar ninguém "o maior" ou o "melhor do mundo". O que é claro para mim é que, em muitos casos, talento e talento é conflated com "grandeza". De facto, no actual debate sobre a propriedade de designar Marley "o maior cantor jamaicano de todos os tempos", existem aqueles que estão alegando que ele não era uma cantora melhor do que Tosh, Cliff ou Livingstone. Mas deve-se ter cuidado com esse tipo de argumento. Qualidade vocal não é a única ou a mais importante característica de um grande artista. Existem outras características que devem ser tidas em conta ao fazer uma determinação sobre artísticas "grandeza".

Não é uma questão de saber se tinha Bob melhor "tubos" do que aqueles com quem ele está sendo comparado. O fato é que a voz de Bob era um veículo ideal para transmitir a paixão revolucionária, que informou o seu impressionante conjunto de trabalhos. Marley não teria sido capaz de levar sua mensagem da forma que ele não tivesse a qualidade vocal de Luther Vandross ou Johnny Mattis. Afinal, outra figura emblemática no domínio da cultura popular, Bob Dylan foi dito que ele soa como um lobo. Estou quase certo de que Dylan nunca teria tido acesso a esses um estado exaltado na moderna cultura popular, se a sua voz foi considerada a ser mais refinada.

Sim, pode ter havido mais naturalmente talentosos cantores e artistas, mas foram eles que Marley "maior" do que ele? A história está repleta de tantas pessoas indicadas notável potencial, mas que simplesmente não foram capazes de responder adequadamente ou constantemente para os imperativos de sucesso. Em seu mais recente best-seller, outliers, Malcolm Gladwell (sua mãe é uma jamaicana) aponta que aquilo que consideram ser muito menos talentos é importante para determinar como será um sucesso de qualquer empresa. Ele observa uma série de factores incluindo a persistência, o calendário e orientação. Gladwell chama a atenção para o ano 1955 como um ano ideal para ter nascido, se quisesse atingir uma um papel de liderança na computação empresarial moderno.

Steve Jobs, o homem que foi co-fundador computadores Apple e em seguida voltou e salvaram-lo do esquecimento (introduzindo o iPhone e do iMac), nasceu em 1955, no mesmo ano, como Bill Gates da Microsoft fama. Era 1945, ano do nascimento de Marley significativo de reggae actos. Será que isso tem lhe dado uma vantagem de um artista nascido em um tempo diferente não poderia ter tido? Parece claro para mim que quase todos os membros da mais famosa iteração do Wailer's (Peter, Bunny e Bob) nasceram em torno desse tempo (dar ou levar alguns anos). Cliff e Toots teria nascido em torno de que o tempo também. Gladwell falou da "regra de 10.000", uma condição necessária para atingir perito estatuto profissional em qualquer empreendimento. Isto é equivalente a aproximadamente 10 anos para trabalhar em uma tarefa. No entanto, algumas pessoas - devido à intensidade do seu horário de trabalho - são capazes de atingir dez mil horas ao longo de um curto espaço de tempo.

Gladwell chama a atenção para os Beatles' estada em Hamburgo, onde foi tão rigorosa que lhes permitia satisfazer a "regra 10000" durante um período mais curto de tempo. Bob Marley foi incansável em seus esforços para aprimorar sua arte e habilidade. Será que ele atinja o seu dez mil horas no momento em que estava a começar a florir Reggae internacional? É minha convicção que o Bob's exaltado estado no panteão da cultura pop moderna tem muito a ver com o florescimento do seu talento e ao aparecimento de alguns dos mais importantes movimentos libertação lugar mais ou menos ao mesmo tempo. Sua música e mensagem foram capazes de fornecer energia para a libertação lutas em todo o mundo. Reggae musical foi o mais importante meio para canalizar as preocupações dos oprimidos e Marley através do seu incisivo commentaries - foi capaz de satisfazer a necessidade de apoio moral entre os movimentos nacionalistas e de libertação de todo o mundo. Marley é a própria personificação da biológicos, históricos e circunstâncias sociais, que jamais voltará a ser incorporados por qualquer outro indivíduo.

Marley's principais preocupações eram o refinamento de sua mensagem ea perfeição do seu ofício. Considerações financeiras foram secundárias. Ele estava preparado para fazer o tipo de sacrifício e os riscos que outros, que eram demasiado curto prazo nos seus horizontes temporais estavam dispostos a considerar. Nenhuma conta de Marley's sucesso poderia ser completa sem um exagerado em conta o papel de Chris Blackwell, na comercialização e promoção de sua carreira. Marley não era o primeiro ou o único cantor jamaicano Blackwell tinha reservado para o estrelato internacional, houve outros que assumiu o supostamente mais lucrativos negócios e, eventualmente, percebi que nem tudo que reluz é ouro. Marley era capaz de desfrutar a liberdade criativa que uma pequena etiqueta como Island (não obrigados a fazer declarações trimestrais ganhos) poderia proporcionar. As principais marcas (público) não têm tal luxo e para eles a música é puro negócio. Curiosamente, é quem menos tratar a música como um negócio que parece muitas vezes gozam sucesso comercial.

O facto de a ilha mais tarde foi comprada por uma etiqueta com maior comercialização muscular fez para ajudar a espalhar a mensagem Marley. Quando Ilha foi vendida, Marley's criatividade já não podia ser violada e, portanto, com a distribuição de uma grande potência rótulo poderia então ser vantajosa. Foi o melhor dos dois mundos da música de Marley.

Bob Marley foi um rock star, um facto que foi fortemente ativado pelo seu património misto. Algumas pessoas falam que o facto de Marley era um híbrido, em um tom quase aviltante. Isto é ridículo um ponto que muitos adeptos parece defensiva sobre Marley. Dizer que Marley é bem sucedido porque ele é misto de património é como dizer que a Jordânia é um grande basketballer porque ele é alto. Sua herança é parte do que Marley traz para a mesa. Mas Jordan não seria grande apenas por ser alto, nem teria Marley ser a figura emblemática que ele é hoje, porque ele acontece a ser de um tom mais leves.

Há outro fator que considero importante para Marley's aura mística e essa é sua primeira passagem. O fato é que ninguém vai levar uma imagem de Marley que não é jovem e vital. Não sabemos o que é o desejo de ver um velho e decrépito Marley e desprovido de instintos criativos. Marley, como Marilyn Monroe, Collie Smith, James Dean e Che Guevara permanecerá eternamente jovens na nossa imaginação, uma característica mais importante da eterna recurso.

BUJU BANTON

Buju Banton Live - novo livro a partir do Gargamel

Quarta-feira, 20 de maio de 2009

Ás Deejay, Buju Banton cujos enunciados pelo recente lançamento do seu último álbum Rasta Got Soul, criou uma polêmica lavra, está trabalhando em seu primeiro livro, programado para bater o descanso no final deste ano.

Será uma mesa de café livro chamado Buju Banton Live. O próximo livro será de nenhuma forma como provocador como a afirmação da Gargamel no sentido de que a fixação do mundo sobre Bob Marley está machucando o crescimento do reggae music.

"Temos um livro que vem programada para uma queda libertação intitulada Buju Banton Live, e é uma coffee-table book", revelou o presidente do Gargamel Music Inc, Tracii McGregor. "Trata-se de viver com fotografias Buju Banton realizando ao longo dos últimos três ou quatro anos. Uma mesa de café livro é um livro que essencialmente maior formatada você não necessariamente colocá-lo em sua estante, você colocá-lo em sua mesa de café, para que quando eles vêm mais pessoas a visitar-te, eles têm algo para olhar, percorrer ", explicou McGregor.

Ela disse que o livro, que será publicado pela Buju Banton da gravação empresa Gargamel Música, está a ser concebido pelo designer e diretor de topo Esquire Magazine, Dale Crooks com fotografias fornecidas pelo internacionalmente renomado fotógrafo Jonathan Mannion.

"Nós trabalhamos com um incrível fotógrafo Jonathan Mannion .... ele é um grande fã de Buju Banton. Buju Ele e realmente tenho um grande relacionamento", disse McGregor o Observador. "Gastamos muito tempo com Jonathan. Usamos imagens para o seu (os álbuns) muito ruim, assim como Rasta Got Soul", ela acrescentou.

Ela afirmou que, ao longo dos últimos quatro anos foi baleado Mannion Buju viver amplamente. "O fotógrafo capturou o cantor de performances de tal forma que qualquer pessoa que é um fã Buju gostaria de ter. É um pouco mais concreta do que uma T-shirt. Ele é um ator intenso e realmente estas imagens capturadas em forma de primeira classe este mundo de classe executante. E isso está a ser concebido por um famoso designer, Dale Crooks, que concebeu o conjunto das obras do Gargamel. embalagens. tudo de um dia. "

McGregor disse que o álbum, Rasta Got Soul, que foi lançado para coincidir com o 43o aniversário de Haile Selassie I do estado visita de três dias para a Jamaica em 1966, já está desfrutando tremenda resposta. "As respostas são realmente fenomenal. As pessoas sempre dizem que você nunca sabe o que realmente esperar próximo dele (Buju Banton), e eles nunca viram este que vem", ela chuckled.

CULTURA

Cultura featuring Joseph Hill, é reggae da harmonia proeminente grupo. Nascido na década de 70, época dourada do reggae, o sempre viável Cultura tem garnered contínua E.U. e aclamação internacional para a sua longa série de clássicos "raízes" álbuns. Cultura da lendária "Two Sevens Clash" (Shanachie) foi Reggae Álbum do Ano em 1977 e hoje é reconhecido pela revista Rolling Stone (11 de abril de 2002) como # 25 dos 50 melhores registos todos os tempos (o único álbum de reggae fazer a lista). Cultura da música, mostrando o chumbo brilhando vocais de Joseph Hill, está solidamente raízes, perfeitamente executadas e entregues, com verdadeiro fervor emocional. Joseph Hill's devoção ao tradicional Rastafariano valores de pureza, simplicidade e justiça é exemplificado pela Cultura da lírica temas. Milo Miles, escrito para o The New York Times, chamado Cultura como "o principal expoente da" consciência reggae ". Hill's mensagem é clara e moralizante. Suas habilidades songwriting estão pendentes e música Comentadores elogiou têm suas conquistas para duas décadas. Nascido em St. Catherine, Jamaica e envolvido com a música desde o início da juventude, Joseph Hill começou sua carreira profissional em 1972 com a gravação do single "Eis a Terra." Em 1976 Joseph Albert Walker e seu primo haviam formado um trio cujo nome evoluiu em Cultura com a libertação do mítico "Two Sevens Clash". Joseph Hill realizados solo sob o nome de Cultura e gravou vários projetos durante o início dos anos oitenta, ele e Albert posteriormente reunificada e já produziu uma longa série de aclamado gravações. De facto, a Cultura do corpo inteiro de trabalho (mais de 28 álbuns) pode ser recomendada quase sem exceção. Notar álbuns como "Nuff Crisis", "Cumbolo", e "Asas de uma Pomba" praticamente definir as "raízes" género. Cultura do nível de energia e criatividade são consistentemente superlativo. Elas tiveram um desempenho brilhante para tonto audiências em inúmeros festivais, concertos e clubes ao redor os E.U. e em todo o mundo. Cultura apoio da banda, Forças de Justiça prevê a coesão ea energia por trás dos doces harmonias de Albert e Telford Nelson e Joseph conduzir a dinâmica vocal.

É este o início do Museu da Música jamaicano?

É este o início do Museu da Música jamaicano? Por Basil Walters domingo Observador pessoal repórter waltersb@jamaicaobserver.com Domingo, 12 de abril de 2009 Alguns desenvolvimentos na indústria da música local ter deixado uma pergunta muito pertinente pendurados: O simpósio slated para quinta-feira sob o tema "O Top 100" (melhor), o jamaicano canções Undercroft, UWI, o início de um processo de selecção para os registos recém-criado Museu da Música jamaicano? Bem conhecido musicólogo Herbie Miller, confirmou a sua nomeação como diretor do museu da música, que foi criada pelo ministro da cultura Olivia 'Babsy' Grange, em 31 de março de temporários com escritório no Instituto de Jamaica. Isso é bom fazer a sua promessa sobre a inauguração do busto do falecido Clement 'Sir Coxsone' Dodd em outubro do ano passado. "Há um senhor que está a desempenhar um papel muito importante na preservação do nosso património na música. Este cavalheiro é Herbie Miller. Estamos prestes a assinar um acordo com Herbie Miller e colocá-lo em uma posição onde ele será capaz fast-track para o desenvolvimento daquilo que vai chamar o Museu da Música jamaicano ", disse então ao ministro Grange inflamador aplausos. Em resposta, Miller disse o Sunday Observer: "Primeiro de tudo, tenho a honra de ser convidado para ser o primeiro diretor / curador do Museu da Música Jamaicana. Dado o meu interesse na história, uma etno-musicólogo e não apenas música jamaicana , mas música em toda a bordo, especialmente música jamaicana, creio que posso trazer para esta posição um compromisso com a visão de quem acredita que é muito importante para preservar a nossa história musical, pois divulgados a partir de nosso ponto de vista. " Adicionado Miller, ex-gerente do lendário Peter Tosh: "As gerações futuras julgar-nos por aquilo que olhar como uma história que vai definir nós. Portanto a música deve reflectir o âmbito mais amplo do que música jamaicana é tudo. E não apenas isso da nossa música popular, ou mesmo o nosso cartão de visita que é música reggae e dancehall música. Deve reflectir a música que chegou com os nossos antepassados. " Salientando a importância da cooperação entre os actores da indústria, ele concluiu que "eu não posso fazer isso sozinho. Eu vou precisar do apoio de todos dentro da música Fraternidade a ser uma parte deste. Aqueles que entendem a importância do presente e para avançar com qualquer material que eles têm. " Ao serem colocados no simpósio pelo UWI do Departamento de Governo, o ex-ministro das Finanças e Oposição voz sobre finanças Dr. Omar Davies irá liderar o painel, que inclui música notar outras personalidades como brodcaster / sistema de som operador Bunny Goodison; Frankie Campbell, líder do Fab Five Band e presidente da Associação dos Vintage Artistes Jamaica e Associados, gerente geral de rádio no RJR Communications Group, Francois St Juste; e empresário e co-autor do livro Reggae Rotas, Wayne Chen. O que tem dado azo a especulação é o facto de a equipa de painel é muito bonita a mesma comissão formada pelo Dr. Davies, há um ano atrás para seleccionar o "Top 100" jamaicano músicas (ambas as versões originais e abranger, instrumentais e vocais) durante os 50 anos de 1957 a 2007. Cada membro da comissão foi encarregada de apresentar uma lista de seu Top 50 músicas durante o mesmo período. Com base nas candidaturas / classificação recebida dos membros do comité, um anteprojecto Top 100 deveria ter sido elaborado com base em um sistema de pontuação que dá 50 pontos para cada canção escolhida como uma canção e um número um ponto para o número 50 canção. O Top 100 teria chegado após deliberações do painel. Parece, portanto, que o próximo simpósio é uma divulgação oficial dos resultados desse processo seletivo iniciado pelo Dr. Davies, que tem um enorme interesse cultural e intelectual na música popular jamaicana. Além disso, os membros do painel serão, na quinta-feira, a apresentar um conjunto de critérios e argumentos para selecionar os registros que devem ser incluídos no Top 100. No entanto, os membros do público são convidados a participar nas deliberações, bem como a votação sobre as composições devem ser incluídas no Top 100 músicas nos primeiros 50 anos da música jamaicana. Eles também serão entretidos por algumas dessas mesmas gravações que foram recomendados

Hepcat

Hepcat é uma terceira onda ska banda formada no sul da Califórnia, em 1989. Sua emotivo dulcificar ritmos e harmonias foram ao contrário de contemporâneos e mais parecidas com os músicos de apogeu de 1960 ska jamaicano, também referida como a primeira onda. Hepcat's debut album, Out of Nowhere foi lançada em 1993 em Nova York-baseado ska rótulo Moon Records. Dois anos mais tarde, eles seguiram-se com Científico sobre BYO Records. Em 1998, após assinar com epitáfio Records filial Hellcat Records, eles libertada em Tempo Certo, pontuando um modesto bateu com a balançante "Não se preocupe" e marcou um ponto no Vans Warped Tour. 2000 viu a liberação do Mova n 'vamos, seu primeiro álbum sem membros fundadores Raul Talavera e Alex deserto, embora este último aparece como um vocalista convidado em duas faixas. A banda entrou em um curto intervalo depois de 2000 e, em seguida, reunida em março de 2003, trazendo de volta membros da "Científico" lineup, sans sax alto Raul Talavera. Hepcat, desde então, continuou a desempenhar ocasionalmente, com aparências mais perto de sua casa em Los Angeles. A partir de Agosto de 2006, Hepcat já começou a gravação de um novo álbum que eles esperam para liberar até 2007. Em 22 de setembro de 2007, foi relatado, através do perfil MySpace da banda e corre blog que há muito tempo baixista David Fuentes tinha morrido. Não foi indicado, e, como tal, a banda teve de sofrer a perda [1]. Alguns membros do Hepcat tem também participado em outros empreendimentos. Trompetista Kincaid Smith formado Soul Traffic, uma peça de cinco bandas funk. Baterista Scott rótulos tem jogado com o lado Rancid projecto Lars Frederiksen e os bastardos e do sul da Califórnia reggae O acto Aggrolites. Vocalista Alex Deserto teve uma carreira de sucesso no cinema e na televisão, aparecendo nos filmes PCU, Swings, e Alta Fidelidade, e da televisão mostra Boy Meets World e Becker. No início de 2004, uma versão do remasterizado Out of Nowhere foi lançado com duas faixas-bônus adicional uma primeira versão de "Nigel" e "Clube de Meditação", tanto dos que apareceu em seu primeiro single. O termo "Hepcat" provém de uma precoce calão prazo (1930-35) relativos a um ou devoto admirador de jazz, esp. swing, ou que foi um "hep", ou um hipster. A banda é na verdade o nome de um gato, uma vez detida pelo vocalista Alex deserto, chamado "Hep."

Jackie Mittoo

O tecladista Jackie Mittoo nasceu em Kingston, Jamaica em 1948. Começou aos 13 anos a tocar na sua primeira banda “The Sheiks”, foi aí que conheceu o proprietário do famoso Studio One: Sir Clement ‘Coxone’ Dodd. Dodd convidou-o para tocar piano em algumas sessões acabando por se tornar um dos membros base da famosa seção rítmica do Studio One, aí nasceram “The Skatalites”. Jackie Mittoo foi o membro fundador da banda, eles mais que ninguém contribuíram para a evolução da música Reggae ao terem “inventado” o Ska! primeiro estilo musical a emergir na ilha nos anos 60.“The Skatalites” eram formados por eles: Lloyd Brevett (Baixo), Lloyd Knibbs (Bateria), Don Drummond (Trombone), Tommy McCook, Roland Alphonso e Lester Sterling (saxophones), Johnny Moore (Trompete), Jah Jerry (Guitarra) e Jackie Mittoo (Piano). Entre 1964/65 os Skatalites eram a “base” da música Jamaicana por fazerem parte do Studio One!Em 1965 a banda separou-se, Jackie Mittoo tornou-se Director Musical do Studio One até 1968. Em 1966 saíu o primeiro hit solo de Jackie Mittoo: “Ram Jam” originando nos anos seguintes ao lançamento de LPs como “Now”, “Macka Fat” “Evening Time” e ainda “In London Keep On Dancing”. Responsável por bandas como “The Soul Brothers”, “The Soul Vendors” e “The Sound Dimension” Mittoo tocava e escrevia canções para artistas que gravavam no Studio One, como por exemplo Ken Boothe, Alton Ellis, Marcia Griffiths, Delroy Wilson, Heptones, Dennis Brown, etc. No final de 1968 Jackie Mittoo mudou-se para Toronto no Canadá onde edificou a sua própria editora e durante os anos 70 continuou regularmente a deslocar-se á Jamaica para continuar a gravar para Clement Dodd, Bunny Lee e Sugar Minnot. Infelizmente o gênio Jackie Mittoo faleceu em 1990 vítima de cancer.

Dawn Penn "A Rainha da Música Reggae"

Dawn Penn "A Rainha da Música Reggae"
A música é uma simbiose de cantores, músicos e instrumentos. Dessa videira vem uma artista com uma qualidade e classe tremenda. Nascida na Jamaica, Dawn Penn começou o seu relacionamento com a música estudando piano clássico com 5 anos e mais tarde o violino, em conjunto com as suas irmãs Pat e Audrey, leccionadas pelo Major Wilson da (Salvation Army-Bramwell Booth Memorial Hall- 19 North Parade) em Kingston. Ela ganhou uma bolsa de estudo para estudar música após ter participado na “Independance Celebration Music Competition” num festival independente na Jamaica, tocando um dueto no piano clássico, sendo a primeira classificada na secção Clássica e foi segunda na categoria Pop. A sua canção original foi “Make Up Your Mind” que foi tocada por ela no órgão. Estudou também na escola jamaicana de música sob a tutela de Miss Scott. O seu talento enquanto jovem estendeu-se também ao canto no (Y-Coral Group) como mezzo-soprano, e também demonstrou a sua versatilidade como performer representando em duas peças clássicos jamaicanas da LTM National Pantomine Production, “Anancy e Pandora” e “Anancy e Doumbey” com Hon. Louise Bennett- Coverley Ranny Williams, Mrs Lois Kelly-Barrow-Miller, Tony Patel, Audley Coulton e Marjorie Whylie para nomear alguns. Começou a gravar para Clement Sir Coxsone do Studio One. E não foi nenhuma surpresa que a primeira gravação de Penn “You Don’t Love Me No, No, No, “ transformou-se num mega êxito na Jamaica entre outros. Penn gravou para Prince Buster a faixa original ” Blue Yes Blue” e a cover “You Are There With Another Girl” e “Long Day Short Night”. Ela também gravou “Why Did You Lie” para o Duke Reid e mais uma série de originais como “Here’s The Key”, “When Am I Gonna Be Free” e fez também versões de reggae das canções de Lulu “To Sir With Love” assim como “Don’t Sleep In The Subway Darling” como Suzette para a “West Indies Records Limited (WIRL). Adicionando a isso tudo á também “ 1st Cut Is The Deepest”, “Let Me Go Boy” e “I’ll Get You” para Bunny Lee. Dawn Penn foi a vocal do internacionalmente aclamado Johnny Nash na canção “I Can See Clearly Now”, “Cupid” e “Stir It Up” e ela fez um dueto com Johnny Nash em “Guava Jelly” e também “Milk Shake And Potato Chips”, “You’ve Got Soul”. Ela foi incluída na ”Commerative Bob Marley Rebel Box set”. Penn também fez coro para Eddie Lovette no album “Too Experienced” com a sua irmã Pat Penn e Winsome Dixon. Agora um nome estabelecido no reggae/rocksteady Era Dawn Penn deu ao mundo do reggae uma agradável surpresa quando voltou aos charts em1994 com uma marcante influencia do dancehall na sua canção “You Don’t Love Me No, No, No No”. Produzida por “Steelie and Cleavie Prodution” para a Hearthbeat Records. 1994 viu também Penn lançar o seu álbum de estreia “No.No.No” na Big/beat Atlantic Records que lhe garantiu a sua nomeação para os Grammy. Com o seu nome reconhecido internacionalmente Pen entrou para o British Chart no n.º 9 e actuou no UK-Top of the Pops, Bet com a Rachel, abriu “The Box” em Houston para Lez da Rap City, aparecendo na MTV “Most Wanted” só para nomear alguns. A canção “You Don’t Love Me” chegou aos charts de todo mundo do Reino Unido ao Japão, Europa, E.U.A. e a Canadá, e foi incluída em mais de quarenta compilações musicais. Foi incluído como o soundtrack para diversos comerciais de televisão por exemplo;o anuncio da Nissan , filmes como “Undercover Cop”, ” Party Girl”, as séries “Homicide” nos anos 90 nos E.U.A. e “I Spy” com Eddie Murphy. Esta canção continua a inspirar muitas covers e reedições contínuas por vários artistas. Eve incluiu esta canção no seu álbum “Scorpion” assim como J.Mills e os Wu-Tang Clan. Em 2005 a artista da Def Jam, Rihanna featuring Vybz Kartel fizeram uma nova versão da canção. Em 1996 Penn co-produzido o seu popular álbum “ComeAgain” para a Trojan Records, vendendo mais de 108.000 cópias. 2000- O single “Never Ever” produzido para o álbum “Top Secret” editado pela editora Jet Star foi um êxito enorme na BBC 1 e 2 tocando repetidamente. Em 2001 reeditou “Let Me Go Boy” nos E.U.A. e teve uma aparição fugaz no filme ” Fire” com Paul Campbell e nos Sopranos ao lado da sua filha Abioseh. O seu sucesso contínuo viu Dawn Penn ser honrado em New York com a condecoração do”Martin Luther King Award” em 2001 pela sua contribuição para a música pela Caribbean Images. 2002 viu Penn gravar a faixa “Now” para a “Subway-compiliation” por Glen Adams do Landmark Studios em Brooklyn. Ela também lançou uma música com Cocoa Brovaz na Universal/Rawkus label que foi um grande êxito “Spit Again”. Também entrou num projecto com a editora nova-iorquina John Shop Records- o álbum “Never Hussle The Music”, e canções como “Forgive and Forget” (akas) “7 Time Rise 7 Time Fall”, com Dee, “Bobby Wrong”, escreveu “What U Gonna Do” com Estereo e John Forte, “Mercy Pon We” num dueto com John Forte e “Looking For a Lion” tudo com John Forte na produção. Em 2003 editou a musica original chamada “Runaway para Functionist of Austria”, “We come yah fi teach” para a editora Kingstone e “You have a right” para a POT ambas editoras alemãs. Em 2005 fez uma tournée pelo Hawaí com Alpha Blondy em Maui, Honolulu e em Ohau. Penn lançou um duplo single chamado “Growing Up” e “Begone” editado pela Da-Beat label. Há também o lançamento da remix do “Love the one you’re with”produzido por Chris Cocoa na Trojan/Sanctuary label. Outro dos seus registos “Night and Day” foi a soundtrack do filme “After the Sunset” com Pierce Brosnon e Don Cheadle e editou também as musicas “No, No,No” e “I’ve got Somebody Else” produzidas por Dawn Penn e Changing Face na Atlantic. Em 2006 participou no festival UPPSALA na Suécia, Dour Festival em Bruxelas, festivais em Praga, Luxemburgo, Portugal, Suiça, Warwickshire, Liverpool e Barcelona, e com Half Pint e o Sound System Kilimanjaro actuaram em Valência, Lemitzia, e Roma. Ela realizou uma nova música “Betterment Blues” com o Sean da Pama Internacional. Logo de seguida saiu o som “Story of my Life”. Já em 2007 ela participou no Aniversario de Bob Marley em Hawaí, Oahi, Big Island-Honolulu com Capleton, Lauren Hill e muito mais.

John Holt

John Holt (nascido John Kenneth Holt, Kingston, 11 de julho de 1947) é um cantor e compositor de reggae jamaicano.
Foi um dos líderes da banda de reggae The Paragons, da década de 70, tendo iniciado sua cerraira solo com sucesso logo depois. Dentre suas músicas mais famosas estão If I Was A Carpenter, I lov I can fell, Tribal War e muitas outras.John Holt, esse é o nome dessa super fera Jamaicana. Considerado uma das mais belas vozes do reggae music, chamado também de voz de ouro em sua terra natal, John é um dos artistas mais aclamados pela crítica. Mesmo com tanto sucesso mundial ele não chegou a se firmar como deveria no Brasil. Na inglaterra ele sempre faz shows e recentemente tocou no Reggae On River, famoso festival de reggae dos Estados Unidos, levando a multidão a delírio.Um de seus discos mais famosos é Police and Helicopter. John Holt não é definitivamente uma cara nova no reggae. John está na música desde os anos 70, e é considerado o rei do reggae em se falando de canções do amor. Ele surgiu inicialmente com a banda The Paragons. Quem ainda não o conhece não sabe o que está perdendo

ALTON ELLIS

Ellis, nasceu em 1938 e cresceu em Kingston’s Trench Town distrito. Nascido em uma família musical, aprendeu a tocar piano em uma tenra idade [6]. Ele participou Ebeneezer e Boys’ Cidade escolas, onde se destacou tanto em música e desporto. [7] Ele procurou fama inicialmente como uma bailarina, competindo em Vere Johns’ Oportunidade Hora [8]. Após ganhar um par de competições, ele passou a cantar, começando sua carreira em 1959 como parte do duo Alton & Eddy com Eddy Perkins [9]. Ellis e Perkins registados para Coxsone Dodd no Studio Um, inicialmente no estilo R & B, após ter atingido com um enorme “Muriel” (a partir da primeira Dodd comercialmente orientada para gravação em estúdios Federal), [10], uma canção Ellis tinha escrito ao mesmo tempo a trabalhar como um operário numa obra, [ 7] e gravação de follow-up com “Meu Céu”. “Lullabye Anjo”, “I Know It All”, “I’m Never Gonna Cry”, e “Seu” [7]. O duo também registrou algumas pistas para Vincent Chin’s Randy do marcador, mas chegou ao fim quando após vencer um grande talento concurso, Perkins se mudou para os Estados Unidos [9]. Ellis permaneceu em Kingston, funcionando como uma impressora e, depois de perder o seu emprego, ele reiniciou a sua carreira musical, inicialmente, formar uma nova dupla com John Holt [7]. Quando Holt aderiram O Paragons, Ellis formaram um novo grupo, as chamas. Ellis continuou a trabalhar para Dodd e também gravadas para o seu arqui-rival, Duke Reid em seu Treasure Isle rótulo. [9] Em meados dos anos 1960, ska estava em movimento e sobre a batida foi abrandar a Rocksteady e tornando-se associado com os violentos rude menino subcultura em dancehalls jamaicano. Muitos artistas feitos registros referentes ao rude boys, incluindo Ellis, embora seus registros foram consistentemente anti-rudie, incluindo “Não Trouble Pessoas”, “Dance Crasher”, e “Cry Tough”, em contraste com artistas como Bob Marley , a quem culpou por Ellis glorifiying o rudies [10]. Gravação com as chamas (os diversos line-up de seu irmão, que incluiu Leslie Ellis, David “Baby G” Gordon e Winston Jarrett), Ellis marcou grande com o hits “Girl I tenho uma data “,” Cry Tough “e” Rock Steady “, que foi a primeira música para referir o nome do mais novo género. Como Rocksteady dominaram o jamaicano ondas para os próximos dois anos, Ellis continuou a pontuação hits para Treasure Isle, trabalhando com artistas como Lloyd Charmers, Phyllis Dillon e The Heptones. Seu álbum Mr. Soul of Jamaica é considerada como uma das medidas definitivas Rocksteady álbuns [9]. Durante o final dos anos 1960 e início dos anos 1970, Ellis gravados por alguns dos principais produtores da Jamaica, com dois grandes sucessos com Lloyd Daley em “Deliver Us” e “Back to Africa”, e gravando para Bunny Lee, Keith Hudson, e Herman Chin Loy. [9] Ellis visitou o Reino Unido em 1967 e com Ken BOOTHE Studio One sessão banda a Soul Vendedores e, em seu retorno à Jamaica, trabalhou com Dodd, gravar as faixas que seriam lançadas como seu álbum debut Alton Ellis Sings Rock & Alma. [7] Ele também começou a produzir seus próprios discos, incluindo “O meu tempo é o tempo certo” e “A Mensagem” [7]. Ellis regularmente retornou à Inglaterra, trabalhando com vários produtores com base em Londres, e depois de passar alguns anos no Canadá, a partir de 1972 ele baseia-se permanentemente no Reino Unido [9]. Ellis continuou a gravar e realizar regularmente, a gravação no início de 1980 para emergentes produtores incluindo Henry “Junjo” LAWES, Sugar Minott, e King Jammy. [10] Ele também abriu a loja All-Tone recorde em South London, e começou uma gravadora de mesmo nome. [3] [11] O “Mad Mad” Riddim, primeiro gravado pelo Ellis em 1967 viria a ser reciclado em mais de cem outras canções. O instantaneamente reconhecíveis três nota-descendente buzina linha foi reinterpretado por Henry “Junjo” LAWES e finalmente se tornou amplamente conhecido como “doenças” reggae Riddim. “Doenças” é sobretudo utilizada em Yellowman’s hit song “” Zungguzungguguzungguzeng “, que tem, por sua vez, tem sido objecto de amostragem e reinterpretadas por uma longa lista de artistas populares do hip hop incluindo KRS-One, The Notorious BIG, Tupac Shakur e Blackstar. Esta constante reinterpretação e referenciação Ellis fez uma grande influência, mas pouco conhecido na trajetória de dancehall, reggae e hip hop [12]. Ellis continuou a ser ativo na cena reggae até a sua saúde começou a deteriorar-se [13]. Seus últimos trabalhos incluem desempenho em toda a Europa com uma banda chamada francês apoia-ASPO (Sobre Alguns Precioux Oldies) no início do século 21. Gravado em Bordéus, França, Live com ASPO: trabalhar em uma Groovy Thing é o único álbum ao vivo Alton Ellis vez publicada (2001). Em 2004, Ellis foi atribuído o Diploma de Distinção pelo governo jamaicano em reconhecimento das suas realizações. [7] Em Dezembro de 2007, ele foi admitido no hospital em Londres para tratamento do câncer de glândulas linfáticas, mas ele retornou ao vivo depois de receber quimioterapia. [2] [14] Ellis faleceu em 10 de Outubro de 2008 no Hospital Hammersmith, West London, de câncer. [15] Sua morte levou uma declaração da Jamaica do ministro da Informação, Cultura, Juventude e Desportos, Olivia ‘Babsy’ Grange, quem disse que “mesmo quando estamos a chorar Alton Ellis grande, temos de dar graças a sua grandiosa contribuição para o desenvolvimento da música popular da Jamaica “. [16] Um funeral serviço e celebração de sua vida foi realizada no dia 3 de novembro, com a presença de familiares, fãs, indústria musical pessoal amd ministros do governo, com homenagem performances de estrelas, incluindo Winston “Fix It” Francisco, Tinga Stewart, George recantos, Tony Gregory, Ken BOOTHE, Judy Mowatt e Carlene Davis [17]. Ele era o irmão mais velho do falecido Hortense Ellis, eo pai de mais de vinte crianças, incluindo Noel e Christopher Ellis Ellis, que são os dois cantores reggae.

Matthew Miller

Matthew Miller nasceu em West Chester, Pensilvânia em 30/Junho/1979, correspondendo ao Calendário Judaico de 5 de Tamuz de 5740. Depois de crescido, os pais de Matisyahu o enviaram para uma Escola Judaica onde estudava duas vezes na semana, porém como muitos outros garotos, ele resistiu às horas adicionais da escola e fora frequentemente tratado com expulsão por perturbações durante as aulas. Aos 14 anos, Matthew Miller adquiriu um estilo de vida Hippie. "Entrou na onda" das pessoas "Dead-Head", cultivou ’dreadlocks’ e gastou seus ’Birkenstocks’ (sandálias) durante todo o inverno. Ele tocava seus bongos na lanchonete e aprendia a fazer ’Beat-box’ no fundo da sala de aula. No 3º ano do colegial, embora estivesse em sua época em que não tinha nenhuma preocupação, Matisyahu não conseguia ignorar o vazio em sua vida. Depois de quase queimar sua sala de química, sabia que sua missão deveria começar imediatamente. Decidiu fazer uma viagem para o Colorado. Afastado de sua vida suburbana nas planícies brancas, Matisyahu teve a oportunidade de analisar e ter um olhar mais introspectivo sobre si contemplando seu ambiente. Estava ele na paisagem impressionante da “Rocky Mountain”, quando teve uma visão: era G-d (Deus).Após sua viagem para o Colorado, sua curiosidade espiritual aumentou e Matisyahu fez sua primeira viagem à Israel. Lá, pela primeira vez em sua vida, sentiu uma conexão ao G-d que viu em Colorado. Israel era um ponto de giro principal. Matisyahu aproveitou o tempo que gastou lá, rezando, explorando, e dançando em Jerusalém. Em cada canto encontrou sua identidade judaica até então inativa em sua mente. Sair de Israel provou ser uma transição difícil. De volta nas planícies brancas, Matisyahu não soube manter sua nova conexão com o judaísmo. Abatido, desanimado saiu do colégio e começou a seguir a banda Phish em uma tour nacional. Na estrada, Matisyahu pensou seriamente sobre sua vida, sua música, e sua sede pelo judaísmo.Após alguns meses ele retornou para casa. Por este tempo seus pais insistiram para que ele se “endireitasse” e fosse para uma escola numa região selvagem de Bend em Oregon. A escola incentivava os exercícios artísticos e Matisyahu tirou vantagem deste momento para aprofundar-se mais em sua música. Ele estudou reggae e hip-hop. Semanalmente ele ia a um open-mic onde cantava, fazia seu beat-box, e era capaz de fazer quase qualquer coisa para manter e aguçar sua criatividade. Foi aí que começou a desenvolver seu estilo reggae-hip-hop. Depois de dois anos “lutando”, aos 19 anos Matisyahu volta para Nova York um homem mudado. Mudou-se para a cidade para continuar afiando seu estudo musical, e também começou a se interessar por teatro. Durante este tempo, foi ver o Carlebach Shul, uma sinagoga no lado ocidental, bem conhecida por ser amigável à energia hippie e ao seu canto exuberante. Isto fortaleceu mais sua alma, favorecendo o poder místico da música judaica hassídica. Agora, em vez do beat-box no fundo da sala de aula, ele ia para o telhado da escola orar. (Sendo religioso ou não, ele não nasceu para ficar em salas de aula).Ao estudar na escola nova, Matisyahu escreveu uma letra intitulada "Echad" (One). A letra era sobre um menino que se encontrou com um rabino hassídico no Square Park em Washington e através dele se tornou religioso. Logo após ter feito a letra, a vida de Matisyahu imitou estranhamente sua arte. Ele se encontrou com o rabino Lubavitch no parque, iniciou-se aí sua transformação de Matthew para Matisyahu. Ele que já foi céptico da autoridade e de suas regras, começou então a explorar e finalmente adquirir o estilo de vida do hassídico Lubavitch. Prosperou na disciplina e na estrutura do judaísmo, tentando cada vez mais entender a Lei Judaica. A filosofia de Chabad-Lubavitch provou ser um guia poderoso para Matisyahu. Cercou-o com o diálogo espiritual e o desafio intelectual que tem procurado desde a década passada. O distúrbio e a frustração de sua busca precipitada, e agora, 2 anos mais tarde, Matisyahu vive em Crown Heights, dividindo seu tempo entre o estágio e o yeshivá.Combinar os sons de Bob Marley e Shlomo Carlebach, com toda sua originalidade e interpretação é edificante, uma forte experiência para todos. Mesmo o mais pessimista em seus shows é inspirado por sua habilidade de transmitir de forma honesta sua mensagem, que fala sobre fé e espiritualidade. Sua dedicação é fazer com que sua mensagem ganhe respeito. É naquele momento efêmero quando nosso cepticismo derrete e nossas almas se elevam que Matisyahu entra com seu crescente som da fé.

MAD PROFESSOR

MAD PROFESSOR
Neil Fraser nasceu na Guiana e quando menino tinha uma curiosidade irresistível sobre rádios e seus circuitos eletrônicos. Gostava de brincar de desmontar e montar o rádio da família, o que já lhe causou muitos problemas em casa, e deixou-lhe o apelido com o qual é hoje conhecido no mundo todo: Mad Professor.Atualmente ele desmonta e monta música no estúdio de seu selo Ariwa, em Londres, uma espécie de templo moderno do dub, vertente do reggae já indissociável de seu nome. Lá ele trabalha com os maiores nomes do gênero como Lee Perry, Sly & Robbie, Dean Fraser, U Roy, Pato Banton, Max Romeo, e também remixa estrelas de outros estilos como: Sade, Massive Attack, Beastie Boys.

Joe Higgs

Joe Higgs falece aos 59 anosBy Roger SteffensLos Angeles 18 de dezembro de 1999.O cantor jamaicano Joe Higgs, conhecido como "O Pai da música Reggae", faleceu aos 59 anos em um hospital de Los Angeles após vários meses de tratamento do cancer.Higgs teve muita influência no nascimento do ska, rock steady e formatos de reggae da música folk jamaicana, e era enormemente respeitado como compositor, arranjador e interprete, e professor talvez mais que tudo. Entre muitos outros ele ensinou Bob Marley, Derrick Harriott, Peter Tosh, Bob Andy, The Wailing Souls e Bunny Wailer.Um dos primeiros artistas locais a gravar na jamaica, seu primeiro single em parceria com Roy Wilson, foi "Many Oh" vendeu mais de 50.000 cópias na jamaica em 1960. O que o levou assinar um contrato com Edward Seega, que mais tarde se tornou Primeiro Ministro da Jamaica durante os anos 80."Ele foi meu primeiro empresário", Higgs relembra um pouco antes da sua morte, junto com um sorriso maroto, "A gente sempre era pago". Seega conseguiu colocar Higgs em shows locais ao lado de Sam Coke, Jackie Wilson e outras estrelas estrangeiras.Em 1964, ele gravou "There’s A Reward For Me" para o produtor Coxsone Dodd. A música se tornou um clássico instantâneo de sofrimento e esperança.Apesar de ele reclamar que nunca recebeu nada das vendas, ele estava muito furioso com este fato, dizendo "Eu percebo que a única pessoa que pode dar o meu prêmio e tudo que eu tenho direito é o todo poderoso".Foi na casa de Higgs que o jovem Bob Marley recebeu anos de aulas privadas de técnicas vocais e interpretação, e anos antes de começar a gravar com o seu grupo The Wailers.Marley admitiu mais tarde que "Joe Higgs é um gênio", dando crédito ao seu sucesso internacional. Em 1972, Higgs ganhou o festival Tourist Song com a música "Invitation to Jamaica", cujos prêmios incluiam uma viagem a Nova Iorque. Onde se apresentou pela primeira vez. A cançou cadenciada não era característica do seu som roots, o qual se misturava um estilo Jazzy scat ritmico. Com letras super sensíveis que expressavam consciência política com grande sentido da história e literatura clássica. Músicas como "So It Go" e "Freedom" sempre colocava no topo das paradas musicais.Em 1973, quando um membro fundador "Bunny Wailer" deixou os Wailers, Higgs foi chamado para acompanhar seus ex-alunos, Tosh e Marley, em uma tornê americana sendo show de abertura para Sly & Family Stone. Eles tocaram shows criticamente aclamados de Nova Iorque e Boston a São Francisco, eles eram cabeças na primeira onda de músicos de reggae que trouxeram este tipo de música para a consciência americana.Em 1974, um outro grupo de estudantes, os Wailing Souls se juntaram a Higgs brevemente para formar um grupo chamado "Atarra".

Jacob Miller

Jacob Miller gravou seu primeiro disco pela Coxsone Dodd, intitulado "Love Is A Message" (aka ’Let Me Love You’) em 1968, com apenas 13 anos. A música não foi um hit, e Miller teve que esperar alguns anos para retornar aos estúdios. Em 1974 ele gravou alguns singles de Augustus Pablo, incluindo: "Each One Teach One", "Keep On Knocking", "False Rasta", "Who Say Jah No Dread" e "Baby I Love You So". A maioria eram bem populares no circuito do Reino Unido. Infelizmente, a Island Records colocou impasses nos créditos e Miller ainda estava com seu brilho ofuscado. As coisas começaram a mudar quando Jacob Miller torna-se um membro da banda Inner Circle. Em 1976, as batidas Roots evidenciaram em hits como "Tenement Yard" e "Tired Fe Lick Weed In A Bush" (ambas creditadas à Jacob Miller).As batidas do Roots Rock Reggae, combinadas com o explosivo estágio de Miller, fizeram o Inner Circle despontar como banda TOP no final dos anos 70 na Jamaica. Miller era um homem exuberante, possuído por características peculiares diante dos demais cantores de reggae, e no Inner Circle conseguiu fixar hits inabaláveis na história do Regge, incluindo: "All Night Till Daylight" e "Forward Jah Jah Children". Ele também fez parte, em 1978, de um famoso concerto em Kingston chamado "One Love Peace Concert", onde Bob Marley juntou as mãos com Edward Seaga e Michael Manley, e teve um papel divertindo no maravilhoso longa metragem chamado Rockers, de 1979. Miller morreu em 1980, pouco depois de ter visitado o Brasil ao lado de Bob Marley. Ele tentava dirigir e chupar cana ao mesmo tempo (sério!) quando o carro que dirigia bateu num poste e o vocalista quebrou o pescoço. Depois da morte de Miller, o Inner nunca mais foi o mesmo.

Gregory Isaacs 1951

Gregory Isaacs nasceu dia 15 de Julho de 1951, no bairro de Fletcher’s Land, em Kingston. Desde menino trabalhou duro, acumulando uma extensa lista de profissões que incluiu temporadas como marceneiro, tratador de cavalos, eletricista e pintor de painéis e cenários teatrais. Segundo seus velhos amigos, ele foi o primeiro a ter um carro e a montar uma loja de discos entre os jovens da vizinhança. Vizinhança que também abrigava algumas estrelas de primeira grandeza do showbizz jamaicano, como o ’Mr. Rock Steady’ Ken Boothe, o trio The Melodians e o melodioso Slim Smith. O jovem Gregory freqüentava os ensaios de todos eles e ainda ouvia atentamente às vozes de Sam Cooke e Brook Benton que chegavam pelo rádio. Foi a partir dessas influências que ele forjou seu estilo único, mixando a malemolência jamaicana com o vocal inspirado da soul music.No início dos anos 70 ele iniciou sua vitoriosa carreira solo trabalhando com um dos manda-chuvas do vinil na Jamaica, Alvin Ranglin. Mas sua busca por independência o levou a fundar um selo próprio de gravação, o African Museum, também o nome da sua loja e quartel-general. Isso não o impediu de gravar com outros outsiders da cena musical, como Lee Perry e Sly & Robbie. Com eles Gregory lsaacs realizou algumas das obras-primas que consolidaram sua identificação com o público (leia mais sobre a discografia de Gregory na página Do RootsGregory ao TecnoGregory).Sua enorme popularidade na pátria do reggae só se compara à que alcançou em terras brasileiras, mais precisamente no Maranhão (1), onde se apresentou ao lado da banda Tribo de JAH em 91.O complicado arranjo do jogo amoroso é certamente o tema mais explorado por Gregory, destacando-se a vasta porção dedicada aos dissabores e pequenas alegrias da solidão. Mas a realidade jamaicana e a força da mensagem rasta também têm seu lugar em canções como "The Border", "Mr. Cop" e "Opel Ride". A crueza da vida nas ruas também não é estranha a Gregory lsaacs: "Quando se vive sob certas condições, tudo pode acontecer a você", conforma-se. Assumindo seu lado Bezerra da Silva, ele confirma que já fez meia centena de ’passeios de Opel’, marca dos carros de polícia na ilha: "Quase sempre por dirigir sem licença ou posse de ervas ilegais", esclarece. Nessa hora uma pequena multa resolve o problema, mas nos casos de porte de arma a coisa é mais séria. As rígidas leis jamaicanas sobre armas de fogo já o botaram no xadrez por alguns meses. Mas Gregory se defende: "Quando te acusam uma vez por porte de arma e você é culpado, é fácil para eles acusarem você outra vez e mais outra por isso e mesmo sendo inocente ninguém acredita. (... ) Não lido com o crime". Gregory conta ainda que os policiais costumam provocá-lo e às vezes tentam extorquir alguma grana. Na prisão ele conviveu com todo o tipo de gente, estudou bastante e passou em revista a sua vida. Acabou por transformar essa experiência em novos clássicos do reggae, como "Days of Penitentiary", "Condemned" e muitos outros.Os problemas com a polícia e o envolvimento com drogas mais pesadas nos anos 80 deram margem a todo tipo de boato. Gregory conheceu então o pior lado da popularidade: "As pessoas em geral adoram falar mal de quem não conhecem e não conseguem entender. Elas sempre acreditam no mal que lhes contam e duvidam do bem. (...) Quanto às drogas, são as armas mais devastadoras. Foram o maior erro que cometi".Este bem de que alguns duvidam está, por exemplo, na forma como Gregory ajuda sua comunidade. Os moradores do gueto o procuram a toda hora com diversos pedidos: "Grande parte do que ganho com meu trabalho serve para ajudar a todas essas pessoas que precisam de assistência. (... ) Por isso a maior alegria para mim é a festa anual que fazemos no Orfanato de Maxfield no dia 7 de janeiro. Meus garotos e outras crianças da comunidade juntam cadernos, pincéis e materiais e doam para eles. Já doei um carro e várias cadeiras de rodas. (... ) Se estou vivo até hoje é porque procuro fazer o que é certo". Gregory também cumpre sua obrigação de amparar os filhos que teve com várias mulheres. Sua sintonia com o homem jamaicano é total: "Eu represento o povo. Fazer o povo feliz é me fazer feliz", conclui.O homem das mil faces que se recusa enquadrado pela sociedade parece ter amadurecido. Continua a trabalhar febrilmente, mas sem cair nas armadilhas que muitas vezes seu estilo de vida lhe pôs pelo caminho. Seja o Gregory sedutor ou o solitário, seja o solidário ou o malandro, seja o formiga ou o cigarra, será sempre lembrado como um dos grandes responsáveis pela excelência da musical arte jamaicana.

Hugh Mundell

Hugh Mundell, que também atende pelo nome de Jah Levi, foi uma das maiores promessas que a musica reggae teve. Descoberto pelo produtor Joe Gibbs, mas quem produziu o garoto foi Augustus Pablo.Seu primeiro disco é um dos grandes clássicos do reggae de todos os tempos.“África Must Be Free By 1983”, lançado em 1975, quando Hugh Mundell tinha apenas 13 anos de idade. Produzido por Augustus Pablo, o disco é um absurdo!Infelizmente, em 1983, o mesmo ano citado na capa de seu primeiro disco e também o mesmo ano escolhido para a emancipação da Africa, ele foi baleado e morto aos 21 anos sentado sobre seu cadillac com Junior Reid, após uma discussão sobre um refrigerador.Mundell, foi um cantor jamaicano que gravou seus poucos discos no fim dos anos 70 pro começo dos 80. Foram os de carreira “Africa Must Be Free by 1983” (e versão dub), de 78; “Time and Place” e “Jah Fire” em 80; “Mundell” em 82 e “Arise” de 83, seu último play. Ele foi assassinado neste mesmo ano em Kingston por razões por mim ainda desconhecidas ou não-aceitas.

DON CARLOS

O dia 29 de Junho de 1952 teve um brilho especial. Nascia Euvin Spencer, no distrito de Waterhouse - Kingston - Jamaica. Don Carlos, como é mais conhecido pelos seus fãs teve uma infância bastante difícil. O local onde o ídolo nasceu (o mesmo que ainda mora), era marcado pela criminalidade (às 6 da tarde, nem os Taxis se arriscavam a trafegar). Don Carlos ganhou o apelido de "Don" (que significa na Jamaica alguém respeitado, temido) graças à popularidade conquistada na comunidade, onde mesmo com a violência amedrontando toda a população, ele caminhava pelas ruas em qualquer horário sem ser importunado. Em 1965, Don Carlos fez a sua primeira gravação no "Federal Studios" em Kingston. O artista ganhou fama internacional a partir de 1983, quando o DJ Ken Williams começou a promover shows com outros grandes nomes como Eek a Mouse e Chalice para milhares de pessoas no Colégio de Manhattan em Nova York. Desde então a sua música o levou à África, Europa, América do Sul, Estados Unidos e muitas ilhas nos Oceanos Atlântico e Pacífico.Além da carreira solo, Don Carlos fez grande sucesso como vocalista do grupo Black Uhuru, trio formado em 1974 com Duckie Simpson e Rudolph Dennis. No entanto, com a primeira formação do Uhuru, Carlos só gravou um single, muito raro entre os colecionadores de Reggae de hoje. O artista só retornou ao Black Uhuru em 1990 e gravou dois álbums: "Now" e "Iron Storm", tendo logo após voltado à sua carreira solo. Carlos diz que a inspiração para a sua música é o mundo pelo qual ele viajou e conheceu diversas pessoas onde pôde desenvolver sua educação e cultura. Don Carlos canta o otimismo em suas músicas levando aos ouvintes uma mensagem de respeito sempre.

King Tubby 1941

Osbourne Ruddock mais conhecido como King Tubby (28 de janeiro de 1941 – 6 de fevereiro de 1989) foi um engenheiro eletrônico e de som jamaicano.
Foi conhecido inicialmente por sua influencia no desenvolvimento do dub nos anos 60 e 70. O trabalho inovador em estúdio de Tubby, o que o elevou a um alto nível criativo no rol dos produtores fonográficos, reservado anteriormente apenas aos compositores e músicos, tornando-o uma grande influencia entre vários géneros da música popular. Ele também é citado como o inventor do conceito de "remix", sendo visto como um antecessor de muitos produtores musicais da música eletrônica.

Prince Buster 1938

Cecil Bustamente Campbell, O.D. (nascido em 28 de maio de 1938), mais conhecido como Prince Buster e menos conhecida pelo seu nome muçulmano Yusef Muhammed Ali, é um músico de Kingston, Jamaica e considerada como uma das figuras mais importantes na história do ska e Rocksteady música. Os registros que ele fez sobre o Blue Beat rótulo na década de 1960 inspirou muitos artistas reggae e ska.
Campbell nasceu em uma família em Kingston como um filho de um helicóptero piloto. Ele cresceu em um dos bairros mais difíceis da cidade. Em 1956, ele começou a cantar para as pequenas discotecas Kingston pagar. Ele formou uma sucessão de bandas com vários de seus amigos, nenhum dos quais foram realmente bem sucedidas. O que transformou a música da carreira de cerca de Campbell foi a crescente sistema de som craze. Em toda a Jamaica, a música promotores carrinhas conduziu estéreo preenchido com equipamentos para a fase móvel partes. Os operadores do sistema de som iria jogar o mais popular R & B dança registros do dia e, muitas vezes, eles teriam um vocalista chamado uma torradeira gritar os bailarinos dos nomes, canto no ritmo, e fazer despreocupado se orgulha, o formulário foi torradeira a principal influência no início rap MCs. Eventualmente, Campbell foi introduzida para Clement Dodd, musicalmente, um empresário que operava uma inclinação de Kingston mais populares sistemas de som. Curiosamente, Campbell não foi contratado como músico, mas como segurança, por causa de rivalidades entre os fãs dedicados a um determinado sistema de som, as partes, por vezes pode tornar-se muito bruto, e Campbell foi um hábil pugilista amador como uma adolescente. Foi nesta linha de trabalho que ele ganhou o apelido "O Príncipe", que, juntamente com a sua infância moniker "Buster" (de seu nome do meio Bustamente), formaram o nome sob o qual ele viria a se tornar famoso. Ele aderiu à Nação do Islã após reunião Muhammad Ali, embora em uma turnê de Inglaterra em 1964. [1] [2] [editar] Artística e produção de carreira Em 1960, Buster produziu um recorde para o Folkes Irmãos para o Wild Bells rótulo, "Oh Carolina", sob a sua alcunha. Este registro Jamaica foi o primeiro a envolver um elemento de música Africano - o tambor no registro foi concedido pelo Count Ossie, o chumbo nyabinghi baterista da Rastafariano acampamento, Camp David nas colinas acima Kingston. Foi um instante bateu na Jamaica, e os primeiros registros Buster, que foram libertados no Reino Unido pela Blue Beat Records contribuiu grandemente para o desenvolvimento som de ska. Buster foi logo gravação próprio, bem como produzindo registros para os outros. De 1963 até o final da década, Buster escreveu e produziu centenas de músicas de Blue Beat. Logo após seu sucesso inicial, Buster foi chamando a atenção internacional. Ele excursionou extensivamente Bretanha durante este período, a jogar a sellout multidões, e apareceu na televisão comercial Rediffusion London's sex. cedo-noite pop mostrar Ready, Steady, Go! em 1964. Ele se tornou famoso por liberar "Big Five", uma raunched-se re-escrever de Brook Benton's "Rainy Night na Geórgia". Ele nunca visitou os Países Baixos, mas muitos outros países europeus. Embora nenhum de seus singles cartografado como altamente nos Estados Unidos, que participava de uma bem sucedida turnê americana em 1967 para apoiar o pouco conhecido RCA Victor LP libertação "Os Dez Mandamentos (de homem para mulher)". Hoje, o álbum (catálogo LSP-3792) é um altamente procuradas-após raridade entre os colecionadores de ska e reggae fundação. Além de ser um pioneiro músico, Buster, como Clement Dodd, foi também muito interessado no negócio. Começou a gravar uma loja em Kingston, no início dos anos 1960 que ainda é propriedade e operada pela sua família hoje. Mais tarde ele fundou uma empresa jukebox. Ele também começou a Prince Buster Records rótulo, num primeiro momento como uma tentativa de manter o rótulo Melodisc viável, [3], mas hoje é usada para refazer sua música. Prince Buster teve dois hit singles no Reino Unido. "Al Capone" (# 18, 1967) e com uma versão atualizada de "choramingar Grine E", que foi utilizada em um anúncio de televisão (# 21, 1998) [4]. [editar] Pós-gravação vida O som ska tinha acabado o seu correr pela final dos anos 1960, mas sua influência foi claramente sentida nos seus descendentes: Rocksteady, que foi mais lento do que o ska e mais influenciado pelo evangelho e alma, e por Rocksteady é melhor conhecido sucessor, reggae. Além da influência musical, muitas letras reggae expressa uma Afrocentric, Marcus Garvey-inspirada do mundo, que tinha estado presente em algumas das canções de Prince Buster. Bob Marley, Toots Hibbert, reggae e outras estrelas têm reconhecido a sua dívida. Buster também fez uma aparição em camafeu o aclamado filme hit internacional, mais difícil eles vêm. No entanto, reggae da Rastafariano orientação levou o príncipe muçulmano para manter a distância de um braço da nova música. Ele virou para mais turísticas tradicionais à base de negócios em vez graciosamente e saiu do cenário musical jamaicano. Ao final dos anos 1970, Buster estava em graves problemas financeiros. Seus negócios foram todos destacamento perdas ou lucros baixos, e os empréstimos que tinha retirado para iniciar a captura eles foram para cima. Felizmente para ele, ska estava experimentando um reavivamento no Reino Unido. Em 1979, a banda publicou o seu primeiro registro Madness, uma homenagem a Buster chamado "O Príncipe", que instou ska fãs para lembrar "o homem que defina a vencer", afirmando "Então eu vou deixar-te lá fora / Para tirá-lo de volta em seus pés. " Interesse em Buster cresceu durante este tempo, ele recebeu royalties quando suas canções foram cobertos por bandas como The Specials, The Beat e Madness, e os seus registos mais antigos foram re-emitidos e vendeu bem. Em 1989, gravou um Prince Buster 12 "única com Londres baseada ska e blues banda, Os troianos, que foi libertado em Gaz's Rockin 'Records, no Reino Unido." Stack O Lee "foi uma edição limitada e é vendido dentro de semanas. Prince Buster agora vive em Miami, Flórida. Ele tem realizado a alguns shows ao longo dos últimos anos, incluindo a 2002 Legends of Ska Festival de Toronto de 2006 e Boss Sounds Reggae Festival, em Newcastle-upon-Tyne. Durante o último dia do Notting Hill Carnival 2008, Prince Buster feita uma apresentação sobre a Gaz's Rockin 'Blues fase, ao lado dos troianos